「魚失水則死；水失魚，猶為水也」—魚離開水就死了，水沒有你這
「吞舟之魚，陸處則不勝螻蟻」（《呂氏春秋》），吞舟之魚，
「舟覆乃見善游，馬奔乃見良御」（《淮南子》），船翻了，
所以「神龍失勢，還與蚯蚓同」。鄧小平被貶江西建新縣時，
「盲人騎瞎馬，夜半臨深池」（《世說新語》）。你說危不危險？
「水少池窄狹，動尾觸四隅」，這是唐代詩人白居易的詩《放魚》
「昔人豪貴信陵君，今人耕種信陵墳」，李白的《梁園吟》，
「長人矮檐下，怎敢不低頭」（《水滸》二十八回），
「上天無路，入地無門」—處境難矣。但「山窮水覆疑無路，
讀者天滿來信：「先生經常在文章中提及『緣起性空』，
宇宙萬事萬物究竟從何而來？為古今中外一切宗教、
佛法與上述宗教或科學解釋不同之處，佛法認為萬事萬物沒有第一因
然則宇宙萬有究竟從何而來，從何而生，
凡是緣生的事物，均具備下列三個特點：一、
二、緣生事物，無時無刻在變化，今日與昨天已不同，
三、緣生的事物必隨之產生條件的規律，回歸到應該回歸的地方去。
無我、無常、寂靜，就是「空性」。「緣起性空」，為佛法對世界萬
此為簡單解釋。佛法講證悟，「緣起性空」是可以證悟的，即開悟，
Manic Street Preachers第九張專輯《Journal For Plague Lovers》，這不獨是他們繼《Send Away The Tigers》後兩年來的全新作品，重點是他們今次全盤用上杳無音信失蹤達十四年、去年在英國正式被法庭裁定並宣佈死亡的Richey James Edwards之遺珠╱遺作歌詞，來灌錄成整張專輯。樂迷亦可以再次藉此追朔Richey決意人間蒸發前的心跡。
回到1996年，作為Manics改組成三人組後的首張「後Richey」專輯《Everything Must Go》，當中除灌錄了〈Kevin Carter〉、〈Elvis Impersonator: Blackpool Pier〉、〈Small Black Flowers That Grow in the Sky〉等共五首出自Richey手筆的歌詞之外，當年樂隊已透露過Richey失蹤前曾把約五十首歌詞作品交給隊友們。相隔了十三個年頭後，其中的十四首歌詞也終於重見天日。
而《Journal For Plague Lovers》之另一重點，是樂隊把大部分歌曲交由前Big Black╱現Shellac團員兼芝加哥著名唱片監製人Steve Albini(Nirvana / PJ Harvey / The Breeders / The Stooges)操刀監製，可見Manics要開宗明義重拾回其1994年經典專輯《The Holy Bible》的粗獷氣息。何況《Journal For Plague Lovers》又是選用了畫家Jenny Saville的作品作唱片封面——Jenny Saville即當年《The Holy Bible》封面上的「肥女人」之作畫師。以《Journal For Plague Lovers》作為Richey最後一張跟Manics灌錄的專輯《The Holy Bible》之後繼篇，其意圖亦不言而喻。
開場曲〈Peeled Apples〉已是那麼崩懷而張力十足如Grunge曲風而來，〈Jackie Collins Existential Question Time〉、〈Me and Stephen Hawking〉是典型Manics的明快爽勁搖滾曲目，扣人心弦的還有〈All Is Vanity〉，而隱藏曲〈Bag Lady〉裡他們更Garage / Post-Punk起來。
Synecdoche = 借代是指以一個物品來代替其他東西出現一种修辞方式，通常用於修飾文句，又称"提喻"，与转喻（借喻）有区别。
使用法則:
借代，顧名思義便是以一物借來代替一物出現，因此多數為名詞。當在使用時，必須考慮替代的正當性與通用性，盡量不要化簡為繁，並且也要讓文義通順才行。
例子:
* 王甲乙是'大帥哥'。－王甲乙是我的'白馬王子'。 用「白馬王子」借代「大帥哥」
* 老兄，我一點'錢'都沒有啦！－老兄，我沒有'孔方兄'了啦！ 用「孔方兄」借代「錢」
常見借代詞語:
* 潘安→帥哥
* 西施、紅顏→美女
* 巾幗→女 *鬚眉→男
* 椿庭→父親 *萱堂→母親 *曾參→孝子
* 王孫→達官子弟 *朱門→富人*軒冕、簪纓→達官顯貴
* 面南→君王 *面北→臣
* 陛下、萬歲→皇帝 *東宮、殿下→太子
* 社稷、宗社→國家
* 黔首、黎民、布衣→平民
* 杏壇→教育界 *杏林→醫界 *菊壇→戲劇界
* 西席→老師 *青衿→讀書人
* 青樓→妓女
* 孔方兄、阿堵物、蔣中正→錢
* 杜康、黃湯→酒
* 陸羽→茶
* 鯉魚、尺牘、魚雁→書信
每個抉擇都會摧毀人生。
你以為人生可以重來，你以為我們都還在彩排
但是人生跟時間都已經過去了
不會再重來。
查理考夫曼的作品，常常都在探討所謂編劇的內心狀態，蘭花賊也好，紐約浮世繪也罷，圍繞其中的，幾乎都是編劇/導演本身的巨大衝突，不管是內在傾軋的巨大壓力與空洞，就是精神上的問題。
而在紐約浮世繪當中，片頭一開始，就是關於死亡的一連串隱喻。
劇場導演凱登生活得極其平淡，他有個大肚腩，有個面容蒼老而疲憊的藝術家妻子，有個甜美可愛，卻老是吟唱著恐怖歌謠，在意著自己有著綠色便便的小女兒。
但幾乎是一開始，凱登的心理生理狀態，就一直在危險邊緣。
他用平凡無奇的生活掩飾自己內心的巨大失落，妻子對他冷淡，甚至不耐煩，就連他戲的首演都不願意來看，但當他隔天早上回到家時，妻子正和女性友人相談甚歡。他失落，他孤單，都無處傾吐。
而這些巨大的心理負擔，就演變成他身體的實際病痛，他輾轉看了外科，眼科，精神科，還有亂七八糟不知道什麼科，得到一堆似是而非的診斷，他服下大把大把的藥，卻仍在妻子離開他後，崩潰大哭，甚至強迫症似地瘋狂打掃起妻子的畫室。
但說要去德國辦展的妻子，卻再也沒有回來，兩人的婚姻因此終結，而凱登的生活也就這樣停住了。
他一直懷疑自己就要死去，精神的焦灼與肉體的大小痛楚折磨著他，或者，是他內心的空洞與孤單一直折磨著他。
他幾乎看不見身邊那些流連在他身邊，深愛著他的女子。
他拒絕了一心愛著他，對他一再示好的海瑟，絕望的在孤單時碰了劇團裡的女主角克萊兒，但與克萊兒結婚之後，他始終忘不掉前妻，一次又一次叫錯名字，甚至以為跟著前妻愛黛兒離開的女兒永遠停在四歲，他的時間錯置了，混亂了，他也把自己搞得一團糟，就在此時，他得到了麥克阿瑟獎，獲得了一筆豐厚的獎金，凱登於是決定，他要來導一齣戲。
他說死亡總是迎面衝來，任誰也躲不開，但是誰都不想死，可是終究會死，他喃喃不知所云的對著劇團人員解釋了一遍又一遍，他們終日不停排練著，直到有一天，當他又提出一個新點子，要每個人每一天扮演某一種狀態時，已經長出白髮的團員開口問他：我們什麼時候才能演出？觀眾才知道，這一排演，竟已經過了十七年。
當他終於發現前妻與女兒的線索，他追尋而去，卻抱著當初送出，卻連拆都沒有被拆開的禮物嚎啕大哭，當他翻出女兒的日記一遍又一遍重看，卻忘了自己和克萊兒也有個可愛的女兒，當他接過跟蹤他多年，主動提出要演他這個角色的演員遞給他的地址，循線找到了前妻的居所時，他假裝自己是打掃的清潔工，為前妻打掃了一次又一次，直到前妻也死了。
他的世界，無論虛實，都已經崩壞。
這部電影中，前面用了許多查理考夫曼擅長的冷調搞笑，平淡中有荒謬，有搞笑，但是很冷，很深，也很刺，到了故事後半，轟隆隆在偌大地，偽裝成紐約的劇場裡不斷上演著的，卻是主角本人心中不停運轉著的龐大孤獨感。
他的絕望如此龐大，以致於他無法愛身邊的女人們，一定得分開了，拆散了，才能遠遠的，孤獨而強烈地愛著。
當他推開海瑟，卻又一再打打電話給她，對著機械化的電話語音留言才覺得安心，當他覺得孤單，惶恐，急著去追回克萊兒，卻又把一切搞砸，被逼著搬出克萊兒家，卻轉而在隔壁租下房子，隔著薄薄的牆傾聽克萊兒的聲音，都讓人覺得，凱登其實並不關心別人。
他關心的，始終只有他自己。
他甚至沒有辦法好好生活，好好的，跨出下一步。
於是他在現實中毀壞的一切，他在劇場中重建。
他重建了與克萊兒的小屋，重建了前妻的房子，真實與虛構的界線都已經模糊。
他活在半虛構的世界中，以為人生是一場又一場排演，卻不知每個抉擇都會摧毀人生。
而人生一旦走錯了線，就再也回不去了。
這是部具有強烈色彩的電影，這個色彩，不在於影片中用色，而是心理狀態和自我認知上
1.
《王牌冤家》、《蘭花賊》、《變腦》、《神經殺手》編劇查理考夫曼自編自導，入圍坎城影展金棕櫚獎競賽片。故事講述一位劇場導演，他平淡的生活與面臨瓶頸的創作生涯，正漸漸走向崩解的邊緣。妻子帶著女兒離開他，他與劇場職員與演員處進曖昧關係，又發現自己得了莫名的怪病，他的生理自主機能正一一喪失…。此時，意外獲得了暱稱為天才獎的麥克阿瑟獎，有一筆高額獎金可創作新戲。他決定製作一部「含括一切」的大戲。
他在曼哈頓的一座倉庫裡搭建了紐約縮影模型，並召集了一批演員共同製作一部貼近他真實人生的劇碼，試圖忠實而赤裸地呈現人生中殘酷、溫暖與令人心碎的片段…。
2.
查理考夫曼的母題壹：我是誰？我從哪裡來？我要往哪裡去？
查理考夫曼的母題貳：他是誰？他從哪裡來？他要往哪裡去？
查理考夫曼的母題參：誰是誰？誰從哪裡來？誰要往哪裡去？
查理考夫曼的母題肆：是的，或者我並不在這裡…，然而…，或者我在這裡。那麼，如果我在這裡，如果我從另一處跋涉地抵達這裡，如果這就是遠方，而我卻還活著，卻還得有什麼待著我去行使非作不可，那麼，那會是什麼？而如果我要離開這裡，我當初為何要前往這裡？
查理考夫曼的母題伍：當我過份地作為人類，我將折損地再也無法作為動物。我將無法正常獵食、性交、生病；我將退出自然，我將作為太陽與月亮，也就是說，我將失去太陽與月亮。
查理考夫曼的母題陸：我為什麼要寫？我能不寫嗎？（我搖著筆桿/執著導筒…慢慢來探討這些難題…）
查理考夫曼的母題柒：如果我終究只能看見自己，如果我看得更多更遠終究只能看到更多更遠的自己，那麼…，究竟他人與世界只是幻象，或者我應該閉上眼睛…？
3.
Synecdoche，提喻法，指以局部取代整體。
然而，如何成立一種所謂整體意涵的全景視野或存在？整件事因此是反過來的，我們一度自以為站在整體的一方，看著局部漫漶淹高，幾近吞噬，但我們終將明白，我們所處在的、擁有的、經營的、明白與記得與期望的，就只是一塊形狀可笑的小碎片，它並非拼圖的一角，它是所有拼圖的製作者，是拼圖遊戲的販售商無限囤積的倉庫…。
《紐約浮世繪》，Synecdoche, New York，並不發生於西元底的17年間、不發生於任何一個地點，它不是一個爬行著展開的「故事」，它是電影開頭的那個早晨。
每一個開頭，都給定了材料；每一筆材料，都給定了關於此些材料之可能性。《紐約浮世繪》是那個早晨之無數可能性中的一種之實現。
我並非討論關於此一電影之「真相」，而是關於創作或生存之真相。這是Synecdoche的內涵。
4.
越追求真實，必定越遠離真實。真實是與某你無法染指之彼邊的接緣，而非線性的遠方。
自然就是如此，如果你什麼都不作、不探索自我，你便是這個聊賴、平庸、慣性運轉的自己。
而當你作了，你開始探索自己，你獲得的並非「真實的自我」，而是探索此一動作所開展的生活；以及，探索此一動作對自我做出的干擾或變更。而自然或宇宙之作為制高點看，作或不作，那個「自我」其實是相同的。
自我不是一串鑰匙，自我是正在行使「追尋自我」的這個你，你的所有的「動」，都正在改變你所能找到的東西。
那些許多許多，那些幻想、妄想、瘋魔…吞噬地進駐，成為真實。真實可以有「現實」的意義，但真實也可以作為漩渦。「尋找真實」是將其看為前者（即某確然的、已成立之物件，如鑰匙、錢包），但卻終將獲得後者。
5.
那個由一而多，既是同一平面上所並置之歧異，也是meta動作所啟動的無限後退（infinite regress）建立的層層次框架，中國套盒式的mise en abyme…。
必須以此為進路，才能進入查理考夫曼的世界、任何一個「無止盡地繼續『寫作中』」的生存者與創作者，的世界。
Synecdoche,
Synecdoche = 借代是指以一個物品來代替其他東西出現一种修辞方式，通常用於修飾文句，又称"提喻"，与转喻（借喻）有区别。
使用法則:
借代，顧名思義便是以一物借來代替一物出現，因此多數為名詞。當在使用時，必須考慮替代的正當性與通用性，盡量不要化簡為繁，並且也要讓文義通順才行。
例子:
* 王甲乙是'大帥哥'。－王甲乙是我的'白馬王子'。 用「白馬王子」借代「大帥哥」
* 老兄，我一點'錢'都沒有啦！－老兄，我沒有'孔方兄'了啦！ 用「孔方兄」借代「錢」
常見借代詞語:
* 潘安→帥哥
* 西施、紅顏→美女
* 巾幗→女 *鬚眉→男
* 椿庭→父親 *萱堂→母親 *曾參→孝子
* 王孫→達官子弟 *朱門→富人*軒冕、簪纓→達官顯貴
* 面南→君王 *面北→臣
* 陛下、萬歲→皇帝 *東宮、殿下→太子
* 社稷、宗社→國家
* 黔首、黎民、布衣→平民
* 杏壇→教育界 *杏林→醫界 *菊壇→戲劇界
* 西席→老師 *青衿→讀書人
* 青樓→妓女
* 孔方兄、阿堵物、蔣中正→錢
* 杜康、黃湯→酒
* 陸羽→茶
* 鯉魚、尺牘、魚雁→書信
It premiered in competition at the 61st Annual Cannes Film Festival on
The film takes its name from a juxtaposition of the real-life city of
Plot
Caden Cotard, a theatre director producing a version of Death of a Salesman in which he casts young actors in the roles of Willy and Linda Loman, finds his life unraveling. Suffering from numerous physical ailments, he is depressed and alienated from his wife Adele and is having an unconsummated flirtation with Hazel, the woman who works in the box office. His nadir (最糟糕的時) is reached when Adele leaves him for a new life in
At this point, Caden unexpectedly receives a MacArthur genius grant that gives him great wealth to pursue his artistic interests. He is determined to use the money to create an artistic piece of brutal realism and honesty, something into which he can pour his whole self. Gathering an ensemble cast into an enormous warehouse in
As the mockup inside the warehouse grows increasingly mimetic of the city outside, Caden continues to look for solutions to his personal crises. He is traumatized as Adele becomes a celebrated painter in
As the years rapidly pass, the continually expanding warehouse is isolated from the deterioration of the city outside. Caden buries himself deeper into his masterpiece, blurring the line between the world of the play and that of his own reality by populating the cast and crew with doppelgängers. For instance, Sammy Barnathan is cast in the role of Caden in the play after Sammy reveals that he has been obsessively following Caden for twenty years while Sammy's look-alike is cast for his part. Sammy's own interest in Hazel sparks a revival of Caden's relationship with her.
As he pushes the limits of his relationships, both personally and professionally, Caden finds change by letting an actress take over his role as director while he plays her previous job as Adele's cleaning lady. He lives out his days under the replacement director's instruction, finally preparing for death as he rests his head on the shoulder of an actress in the play, seemingly the only person left alive in the warehouse. As the scene fades to grey, Caden says that he has an idea for how to do the play when the director's voice in his ear gives him his final cue: "Die."
Motifs
* The burning house
Early in the film, Hazel purchases a house that is eternally on fire. At first showing reluctance to buy it, Hazel remarks to the real estate agent, "I like it, I do. But I'm really concerned about dying in the fire," which prompts the response "It's a big decision, how one prefers to die." In an interview with Michael Guillén, Kaufman stated, "Well, she made the choice to live there. In fact, she says in the scene just before she dies that the end is built into the beginning. That's exactly what happens there. She chooses to live in this house. She's afraid it's going to kill her but she stays there and it does. That is the truth about any choice that we make. We make choices that resonate throughout our lives."
* Miniature paintings and the warehouses
Both Caden and Adele are artists, and the scale in which both of them work becomes increasingly relevant to the story as the film progresses. Adele works on an impossibly small scale, while Caden works on an impossibly large scale, constructing a full-size replica of
* Jungian psychology
Many reviewers have compared the plot to Jungian psychology. Carl Jung wrote that the waking and dream states are both necessary in the quest for meaning. In the case of the film, Caden seems to exist in a blending of the two. Kaufman describes the dream motif, "I think the difference is that a movie that tries to be a dream has a punchline and the punchline is: it was a dream." Another concept of Jungian psychology is the four stages to the individuation process. Jung wrote about the need for self-realization, in which humans go through four steps: becoming conscious of the shadow (recognizing the constructive and destructive sides), becoming conscious of the anima and animus (where a man becomes conscious of his female component and a woman becomes conscious of her male component), becoming conscious of the archetypal spirit (where humans take on their mana personalities), and finally self-realization (where a person is fully aware of the ego and the self). In the film, Caden seems to go through all four of these stages. When he hires Sammy, he learns of his true personality and becomes more aware of himself. He becomes aware of his anima when he replaces himself with Ellen. In becoming conscious of the archetypal spirit, he takes on the role of Ellen and he finally realizes truths about his life and about love.
* Play within a play
The film is meta-referential in that it portrays a play within a play.
This theme has been compared to the famous quote by William Shakespeare, "All the world's a stage, and all the men and women merely players."
It has also been compared to the music video for Icelandic singer Björk's song Bachelorette. The music video portrays a woman who finds an autobiographical book about her which writes itself. The book is then adapted into a play, which features a play within itself. The music video was directed by Michel Gondry, who has worked with Kaufman before (directing Kaufman's films Human Nature and Eternal Sunshine of the Spotless Mind). In an interview Kaufman has responded to the comparison, saying "Yeah, I heard that comparison before. The reason Michel and I found each other is because we have similar sort of ideas."
Top ten lists
The film appeared on many critics' top ten lists of the best films of 2008. Both Kimberly Jones and Marjorie Baumgarten of the Austin Chronicle named it the best film of the year, as did Ray Bennett of The Hollywood Reporter.
It appeared on 101 "Best of 2008" lists with 20 of them giving it the number one spot in a culmination of 691 lists. Some of those who placed it in their own top tens included Manohla Dargis of the New York Times, Richard Corliss of Time, Shawn Anthony Levy of The Oregonian, Josh Rosenblatt of the Austin Chronicle, Joe Neumaier of the New York Daily News, Ty Burr and Wesley Morris of the Boston Globe, Lou Lumenick of the New York Post, Philip Martin of the Arkansas Democrat-Gazette, Scott Foundas of LA Weekly, Walter Chaw, Bill Chambers and Ian Pugh of Film Freak Central (all three of which placed it number one), and Roger Ebert of the Chicago Sun-Times.
分析心理學是容格所帶頭發展出的一支心理學，又稱榮格心理學或原型心理學。
榮格認為人的心靈包含有意識的自我（ego）、無意識兩大部分。有意識的自我是由記憶而有連續性的。但榮格認為自我只是整體心靈（psyche）的一小部分，無意識才更具影響力。夢是無意識對自我所開的窗子。整合自己無意識的的特性會自然的發生而發展個人的個性，這種程序叫做個性化。
如果一個人有意識的自我與無意識相互矛盾無法整合，則會產生精神病的症狀，如恐懼症、戀物癖、或憂鬱症。須經由分析去了解與認識未知的無意識中的特性，常用的方法有分析夢或是對藝術品或詩的反應。
榮格認為無意識又分為個人無意識及集體無意識。個人無意識包括個人的種種情結，而集體無意識則包括人類整體經千百年累積在無意識中的寶貝。其證據是榮格在世界各地所收集的人類共同的象徵。他考察不同民族的宗教、神話、傳說、童話、與寓言得到所有人類共有的原型。所以在個性化可能發現超出個人經驗的象徵。其中的內容可視為人基本問題，如生命、死亡、意義、快樂、與恐懼，也可能有靈性方面的觀念。
分析夢的方法與完整的程序是很繁瑣的，也因人（分析者）而異。
性格分類
分析心理學認為人的性格可分為外向與內向。力比多(libido)是一種心靈的能量(或可說是氣)，內向的人，他的這種能量是向內的而且是主觀的。外向的人，他的這種能量流向屬於外在的他與別人的關係。
內向的人，較易得包括妄想在內的精神分裂症。外向的人，較易得躁鬱症。
harles Stuart "Charlie" Kaufman (born November 1, 1958) is an Academy Award-, BAFTA-, and Independent Spirit Award-winning American screenwriter, producer, and director. In 2003, he was listed at #100 on Premiere's annual "Power 100" list.
Kaufman was identified by Time Magazine in 2004 as one of the 100 most influential people in the world.
His works include Synecdoche, New York, Being John Malkovich, Eternal Sunshine of the Spotless Mind, Adaptation., and Human Nature.
談起韓國導演朴贊郁，自然聯想到暴力，可能混點幽默，究竟從中要表達甚麼？「要表達暴力帶出來的痛。」簡單直接，還故意放大至荒誕程度，要你看得恐懼，新作《饑渴誘罪》繼續血腥，但無所謂的暴力無美學可言，只把愛情放大至吸血及救贖層面。
西江大學修讀哲學時參加校內電影研討會，學習電影理論及撰寫影評，成立了「西江電影聯合會」，及後任副導演， 1992年正式執導《 The Moon Is...The Sun's Dream》， 2000年憑《 JSA安全地帶》一炮而紅，接着《復仇》、《原罪犯》及《親切的金子》成其「復仇三部曲」。
;)
■上月來港，宣傳香港亞洲電影節。
;)
■採訪期間，早有 Fans在門外等候，索取簽名。
■泰珠是孤兒，由康宇家人撫養長大，被迫與病重的康宇結婚。
;)
■慾望最後戰勝道德，尚賢決定脫下神父袍，與泰珠肉慾鬼混。
;)
■泰珠與尚賢相愛後，因為危險喝下尚賢的血，也變成了殭屍。
;)
■身體癱瘓的奶奶，勉力用手指揭發泰珠是殺死兒子的真正兇手。
;)
■吸血場面，泰珠一嘴是血，還弄得滿地鮮血，非常搞笑。
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■朴贊郁來港數次，每次都是快來快回，只到過酒店咖啡室嘆下午茶。
朴贊郁用近十年時間構思《饑渴誘罪》，與以前用二十小時創作《原罪犯》，甚至用一支煙時間變早期作品《 The Moon Is...The Sun's Dream》出來，有很大的差別：「我想自己有一定影響力，才創造出這個比較具爭議性的故事來。」能夠有膽把神父變成淫棍，與他成長背景有莫大關連，「我父母是天主教徒，小時候我上過教堂，讀過《聖經》，不過，我現在已不再做同一件事。」一百八十度轉變，是因為，「長大後，我有疑惑，可能受一些事或經驗影響，不再相信，絕不是甚麼大不了的事。」
他不再信教的原因，可能你能從電影中找到些蛛絲馬迹，因為朴贊郁說戲中神父尚賢，投射了自己某部份性格：「當道德大於慾望時，神父當然是神父；相反，神父還可以是神父嗎？」中毒後的神父，雖仍然脆弱和優柔寡斷，卻要吸血度日，能如蝙蝠般飛行和倒掛，更愛上朋友妻子泰珠，荒誕地在韓服店準備鬼混，可惜最後被她最討厭的奶奶突然召喚才事敗；最終，兩人在醫院裏的植物人隔鄰搞上了，神父還吮起泰珠的腳趾公來，「哈哈，這不是變態，你知道有個聖經故事，講到耶穌在釘十字架前為為門徒洗腳嗎？尚賢是想洗淨泰珠以前的罪，變得純潔。」可惜，泰珠竟利用尚賢為她殺死重病又性無能的丈夫，一幕池塘殺夫戲，有點似《復仇》結局時將池塘變血池的恐怖場面：「這一段取自 1981年歐洲電影《 Possession》，連泰珠穿的藍裙子造型，也與該片女主角相同。」故事在千迴萬轉中表達愛慕、誘惑、欺騙、殘殺、吸血和寬恕，看開一點，也正是最普通不過的愛情日誌，說真，你我他也只在慾望中打滾的一隻殭屍。
曾經，我在首爾街頭看到一個男人，用腳踢爆一個已經被打倒地上的女子的鼻，若那刻不是朋友拉着，我早已隻身上前打那該死的男人。從此，我認定韓國男人是暴力狂，也不相信他們有愛情這回事，不過，我沒有勇氣問朴贊郁有否打過女人，因為我怕……
尚賢（宋康昊飾）是位在醫院工作的神父，自願參加秘密研製致命病毒疫苗的實驗計劃，因輸入未經驗證的血液而奇蹟地活過來，康復後變成吸血鬼，靠飲血維生。一天，他遇見朋友康宇（申河均飾）及他的妻子泰珠（金玉彬飾），喚醒他前所未有的愛慾，泰珠也希望靠尚賢對付奶奶和無能丈夫，尚賢不能自拔地愛上了泰珠，放棄神父袍墮入愛慾世界。
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1.2 袁智聰在Facebook info的「關於我」自我形容為「沉迷音樂又喜歡用文字解讀音樂的香港升斗小市民，人稱樂評人……」他是《MCB音樂殖民地》的創辦人兼老總，2004年十周年雜誌停皷後繼續在中港台的平面及網絡媒體「陰魂不散」。
1.3 那是「前Facebook」袁一向給人的印象，「後Facebook」加入袁成為朋友後，不無意外
地發現他孤獨、抑鬱、憤怒、不甘心、經常充滿怨氣的另一面。
1.4 袁智聰在Facebook profile圖像下面當眼位置「Write Something About Yourself」寫的就是Nirvana主音歌手Kurt Cobain在1994年自殺遺書字條上的「It's better to burn out, than to fade away」。那是Neil Young 1979年大碟Rust Never Sleeps其中《My My, Hey Hey (Out of the Blue)》以及《Hey Hey, My My (Into the Black)》的歌詞。
1.5 歌詞提到「Out of the blue and into the black. They give you this, but you pay for that. And once you've gone, you can never come back, when you're out of the blue and into the black」。原來「out of the blue and into the black」源自越戰年代暗無天日、死亡枕藉的悽慘描繪，又泛指生命的終結、死亡的來臨，故此「It's better to burn out, than to rust / fade away」。
1.6 在Facebook另一欄目他寫下自己「最喜愛的金句」，索性就是「I sometimes wish I'd never been born at all」。這是Queen主音歌手Freddie Mercury在經典名曲《Bohemian Rhapsody》（33,211,827 YouTube views）對母親表達內心爭戰、充滿歉疚悔意的歌詞。
1.7 歌曲來自1975年的大碟A Night at the Opera，與Queen其他搖滾樂曲的處理不同，這一首以人聲清唱（a cappella）、歌劇唱腔與搖滾結他獨奏的三段曲式處理，令人耳目一新地開創了淒美華麗浪漫反叛的搖滾/歌劇音樂色彩。王菲在1998至99年《唱遊大世界》演唱會中也曾唱過這首歌（183,034 YouTube views），其獨特唱腔亦曾傳誦一時，但你未必會留意到這一句「I sometimes wish I'd never been born at all」的歌詞。
1.8 一個只願自己從未出生的袁智聰又怎會喜歡過生日。今年生日袁在Facebook重刊2006年在網誌寫的文章﹕「人生不是孤單的來，孤單的去嗎？就如 The Verve在《On Your Own》裏所唱道﹕「You come in on your own. And you leave on your own. Forget the lovers you've know. And your friends on your own」。諷刺的是這首歌在網上The Verve Forum（www.theverve.co.uk）曾被選為樂迷死後在自己的喪禮中最想聽到的Verve歌曲。
1.9 當年還未有Facebook，可以說沒有人知道他的生日。今年生日他在Facebook雖然收到近百個祝福，還有人「都讚好」，又或另外留言支持、鼓勵他，「總算是在平靜中泛起了漣漪」，但他還是說「從不懂得什麼是生日快樂」。生日對於他來說，是「對生命感到懊悔」；每逢生日當日，他的「抑鬱症狀便會自自然然湧現出來」。而生日當日為了在心理上暗地裏為自己「慶祝」，他會「豪」一點地買唱片、弄一餐好一點的給自己、喝一支較好的紅酒自斟自酌。
1.10 今年生日他也在網誌上圖文並茂寫他就是孤獨的一個人，黃昏時分踏上近六百級的石級，登上了元荃古道／石龍拱，吸一口秋日的清新空氣，開一罐John Smith's Extra Smooth啤酒，對住藍天草地講聲「cheers!」，看看日落，細聽風聲草聲與蟲鳴，完全是Simon & Garfunkel名曲「I am a rock. I am an island」的狀態。正當他坐在元荃古道的山坡草地上沉思之際，「鏡頭一轉（我本是看覑在舞動的草兒），十多頭不知從哪裏竄出來的野牛，出現在我面前的山坡吃晚餐。生日見牛，有什麼玄機呢。」
1.11 這顯然是他在Facebook以及《袁智聰唱片箱》網誌所寫，除了煙酒外，他最崇尚的「素食及行山治療法」。在Facebook接觸袁智聰多了自然就有一種印象，那時候《蠟筆小新》作者臼井儀人在荒船山獨自登山失足遇害，沒有絲毫不安好心，但在我腦中第一時間閃過的就是袁智聰。那次跟他提起，他也笑笑說﹕「就是這樣也不錯！」
1.12 這裏刻意經營的是上網看袁智聰所呈現的孤獨的一面，但在網上他當然還有始終不離不棄的Indie另類電子音樂。他自言自小已經「局部性自閉」，不大喜歡一大群人交往，音樂自然就是一個相對孤獨自主的自由空間。
1.13 由小學同學的家姐們的啟蒙影響開始，袁錄電台的音樂節目，錄電視台的MTV節目，買碟，投稿，之後創辦《MCB音樂殖民地》整整十年後休刊。現在袁的文章經常刊於《明報》星期六的專欄、《東Touch》、《C for Culture》、《In Music》、《南方都市報》，網上有Yahoo-Music、兩個網誌，當然還有Facebook。
1.14 以前辦雜誌袁最反對文章上網，當然因為可能影響賣書；現在發覺文章在自己的網誌或Facebook內可以有一個更準確完整的紀錄，而且流傳更廣，很多迴響也未必在預計之內。
1.15 這個網上空間是他的一個「comfort zone」，這裏有他的fans、讀者、followers、Facebook朋友，有他喜愛的音樂。網上資訊豐富但虛無縹渺，一般網民惘惘然毫無頭緒、無從入手，他所提供的資訊指南、專業導賞、熱血推介就有價值、有市場。
1.16 他現在每日也在YouTube隨覑自己的心血來潮與喜好，挑選7、8個音樂錄像post上Facebook，讓大家Comment、Like或 Share，就像老好年代的電台唱片騎師「打碟」一樣，與廣大收音機旁邊的聽眾交流、分享；很多認識了很久或新相識的朋友，因為接觸多了都變得熟絡了，那 Facebook朋友之間「far away, so close」（U2《Stay (Far Away, So Close!)》）的獨有情懷也是最吸引他的地方。
1.17 他什麼都與音樂拉上關係，拍拖、結婚、生子與運作《MCB音樂殖民地》雙線進行；8歲兒子的英文名字Florian也就是他深愛的樂隊Kraftwerk 骨幹成員Florian Schneider的名字；但音樂方面的收入未算穩定，經濟上還是要憂柴憂米，他亦坦言擔心自己未算是一個好爸爸、好丈夫，這也可能間接造就了袁悲觀、憤慨的負面情緒；不同的歌曲既助長了情感的宣泄，Facebook或網誌這些互動空間亦放大了情感宣泄的幅度。
1.18 以前的日子他最開心「掃碟」逛書屋看電影無憂無慮的生活；今時今日深秋的清涼天氣，他捱夜寫稿也成為一件蠻舒服的事，捱得辛苦之餘就開多支cheap紅酒，網上應該還有仍然未睡的Facebook朋友，one must imagine Yuen Chi-chung happy !
Yuen Chi-chung網站﹕
Facebook：http://www.facebook.com/yuen.chichung
MCB音樂殖民地：http://www.mcb.com.hk
袁智聰唱片箱：http://yccmcb.blogspot.com
Yuen Chi-chung推介網站﹕
YouTube：http://www.youtube.com
Wikipedia：http://www.wikipedia.org
Pitchfork ：http://pitchfork.com
Uncut：http://www.uncut.co.uk
White Noise Records：http://www.whitenoiserecords.org
《 This Is It》是我看過最出色的電影。如導演 Kenny Ortega所言，電影雖然沒有完整的情節線，但它絕對是一個故事。那是一個藝術大師最後的創作歷程，它讓我們看到更真實、更完整、更全面的 MJ，讓我們看到他全方位的才情，讓我們看到他對工作的熱情，讓我們親歷他的逐夢之旅。影片全長 111分鐘，由 80小時的視頻影像剪輯而成。本來，那些視頻是 MJ拍給自己看的，用作參考、改善，力求在正式演出時把最完美的一面呈現給他熱愛的歌迷。完美主義者的 MJ大約從未想過邀請歌迷參觀幕後製作，但，正是這些綵排片斷，讓全世界所有愛他或不愛他的人，有了一個最好的機會去真正認識他，相信我，每一個看過電影的人，從此以後都會愛上他，並且，心懷感恩，有幸與這樣的曠世奇才生活在同一個星空下，絕對是天賜恩典，是生命的奇遇！
原來，這才是 MJ！他是一個歌手，但不僅僅是歌手，他參與每一個細節的製作，他構思他的夢想，並且，努力讓夢想變成現實，他不但是一個指揮者，也是一個執行者，由選擇合作者，到舞台背景、燈光、音樂伴奏、表演方式……巨細無遺， MJ一一兼顧，他熟悉他的音樂，所以能唱出所有的和聲，能聽出吉他手哪怕一點點細微的失誤，聽出管樂和弦音有沒有充份表達出應有的感情……導演 Ortega用「不可思議的天才」來形容他。也許，此人本應天上有，這是他離開我們的真正理由。
（高慧然）
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《红高粱》是一部由张艺谋导演，巩俐、姜文主演，改自莫言同名中篇小说的著名影片。 摄影顾长卫，作曲赵季平。
影片的背景是抗战时期的山东高密。男女主人公历经曲折后一起经营一家高梁酒坊，但是在日军侵略战争中，除男主人公（姜文扮演）及幼子外，女主人公和酒坊伙计均因参与抵抗运动被杀。 该片荣获第38届柏林国际电影节金熊奖。
九儿的父母要嫁她出去。 他们找到了一位50岁的老人。 他还没结婚因为他有麻风病。 九儿的父母愿意把女儿嫁给他， 因为新郎送给他们一匹骡子。 新郎也有一个酒坊。
九儿去新郎的地方时被拦截了。 一个带轿的人攻击了贼，救了九儿以后跟她调情。 三天以后， 九儿在会去父母的家探望他们。 带较的人突然从高粱里出来， 绑走了九儿。 他们在高粱里交媾。
九儿回到酒坊的时候发生了麻风病的丈夫死了。 很多人认为他被杀死的， 可是因为他不是好的高手， 没人管。 九儿遗产了酒坊 ， 她接管。 有一天， 带较的人回来， 他喝醉了， 在高粱酒里尿。 没想到， 高粱酒变成特别好喝。 酒坊发财了。 后来， 日本军来中国战争。 九儿的老朋友被敌人抓住、 剥皮。 九儿要复仇他 ， 她叫她的工人来帮忙。 酒坊的工人做地雷和炸弹。 工人全天坐在高粱里， 等着日本人过来。 工人肚子饿了 ， 所以九儿的孩子回家告诉妈妈。 九儿带来中饭时候， 日本人来了。 九儿被射杀。 工人的炸弹不行， 全部被杀死。 只有带较的人和儿子生存。
精彩影评
《红高粱》是一个具有神话意味的传说。整部影片在一种神秘的色彩中歌颂了人性与蓬勃旺盛的生命力。因此，赞美生命是该片的主题。"是要通过人物个性的塑造来赞美生命，赞美生命的那种喷涌不尽的勃勃生机，赞美生命的自由、舒展。"(张艺谋：《(红高粱)导演阐述》)正因为这种对生命的礼赞以及影片那精湛的电影语言的运用，使得《红高粱》获得了国际荣誉，这也是中国电影迄今为止在国际上获得的最高荣誉。
《红高粱》并不是十分具有现实性的作品，也不是一种对民族文化的寻根。相反，在这个联系三代的以过去时回叙出来的故事中，塑造的是一个未来意义的人格，是一种人格理想，超越了具体的社会表层，具有人的本性与本质的深度，影片自始至终所呼唤的主题就是勃勃的生命力，就是张扬活得不扭曲、无拘无束、坦坦荡荡的生命观。因此．摆在观众面前的作品不是一个已被理解的世界，而是对一个世界的生命的理想。这种理想就是在那具有"太阳崇拜"的神话中。《红高粱》不同于以往任何一部反映农民的影片，它的视角已从传统的对土地的礼赞转向了对生命的礼赞。故事的超常特点决定了叙事的非现实性，故事的地点也被淡化。在影片中甚至淡化了社会最基本的结构——村落。影片中的所有叙事元素与视听元素都在为这种自然生命的热烈、自由自在和痛快淋漓的风格服务。
与以往的探索影片不同，《红高粱》虽然也承载了导演对生命主题的意念，但并不是完全像《黄土地》等探索片那样淡化情节，靠纯粹的电影视像语言的震撼力来直接表达导演的意念。张艺谋在这部影片中是从实处入手，从规定情境下的具体人物性格人手，编织一个完整、美妙动人的故事框架，从而使意念通过故事的曲折、人物的行为、动作自然而然地流溢出来。在此，导演是如何通过具体的方法来达到这两者的完美结合的呢?
首先，影片自身有一条完整的故事线，但这条叙事线大部分由画外音来完成。影片一开始，还是全黑的画面时，声带上就传来了"我"的叙述；"我给你说说我爷爷我奶奶的这段事，这段事在我老家至今还有人提起。"这是一个以现在时进行回述的视点，这个 "我"在此是一个故事的叙述者。由于他没有在故事中出现，按理是一个客观的叙述者，但他又是故事中人物的后代，这又使得他具有某种参与意识，从而又具有被叙述的意义。因此，这个视点是非常奇特而又新颖的，它使导演在处理全剧时有了一种游刃有余的视点参照，非常自由而又具有全知性。同时，他的叙述的特点把故事拉远，又具有历史的间离效果。在此视点基础上，导演在这开场白中道明了故事的虚构性。"日子久了，有人信，也有人不信。"从而非常自如地把故事纳入非现实的时空之中。
画外音在影片中出现了12处。而影片中的人物关系、周围环境、时间转换等几个主要情节转折点，几乎都是由画外音交待的。如我奶奶与麻风掌柜李大头的关系，高梁地的"鬼气"，新婚三天新娘回老家的规矩，李大头被杀，秃三炮绑走我奶奶的过程，罗汉大爷的出走，日本人的出场等。画外音在此影片中还承担了一种"预叙"的功能，如抬轿出发时画外音就告诉观众，轿把式将成为我爷爷，这就增设了观众的"期待视野"，使画面故事的进展更富有张力。在传统影片中特别容易出戏的那几段全被画外音虚掉了，导演在电影的空间与画面上也就能尽情挥洒，将大部分的画面用在表现颠轿、劫道、野合、敬酒神、日全食上，让意念承附在具体的画面上，依附于一个个具有强烈生命象征意味的仪式之中，从而达到虚实相生的艺术境地。确实，画外音在影片中是作为一个戏剧因素渗入故事之中的，它"缝合"了过去与现在、意念与故事。
其次，当我们面对《红高粱》时，就会感知到全片都被那辉煌的红色所浸透。红色是太阳、血、高粱酒的色彩。在这里，导演对色彩的运用是高度风格化的。影片一开头就是年轻漂亮、灵气逼人的我奶奶那张充满生命的红润的脸，接着就是占满银幕的红盖头，那顶热烈饱满的红轿子，野合时那在狂舞的高粱秆上闪烁的阳光，似红雨般的红高粱酒，血淋淋人肉，一直到那日全食后天地通红的世界……，整部影片都被红色笼罩。导演对这种基调的选择几乎完全剥夺了我们对戏剧情节的关注，而进入一种对一个特定的造型空间的纯粹情绪性体验了。这是一种对完美自由的自然生命的渴望与赞美。这不是一个完全现实时空的再现，而是我们内在生命力的精神外化。影片结束在那神秘的日全食中，红色的扩张力获得了一种凝固的近乎永恒的沉寂效果。黑红色的高粱舒展流动充满了整个银幕空间，极为辉煌、华丽、壮美。
第三，影片的空间环境与造型处理，都在努力寻求一种色彩的单纯化和空间的神秘与阔大。一切琐细的对比协调和过渡都被抛开，造成一种崇高神圣和神秘生命的生存空间。影片主要是两个空间环境：高梁地和酿酒作坊，酿酒作坊体现出生命的远古意识，如风雨剥蚀、似古堡般的十八里坡的圆形门洞。而那片自生自灭的高粱地，则透着生命的神圣。当画面上充满了高粱地时，它是作为一个巨大的自然生命符号群，舒展、盛大、坚强、热烈、宽厚。影片中三次对高粱的渲染都呈现出一种人与自然生命的整一性。当我奶奶泪水满面、仰天躺在我爷爷踩踏出来的圣坛上时，银幕上一连出现了四个叠化的狂舞的高粱镜头。在这里，高粱地是生命诞生的见证。而在日本人强迫百姓踩踏高粱的镜头中，又感到生命被摧残的震撼。影片结尾，我爷爷与我爹泥塑般立于血红的阳光里，面对那高速流动的高梁的镜头，我们内心唤起的是一种对生命的自信和对热烈悲壮的生命的礼赞。
当然，《红高粱》在思想内涵和意蕴指向上也还存在一些值得探讨的问题，但作为我国电影的一部力作而载入史册，却是无疑的。
Forgetting Sarah Marshall is a 2008 United States romantic comedy film directed by Nicholas Stoller and written by Jason Segel. Much of the film was shot at the Turtle Bay Resort, located on the North Shore of the Island of Oahu in Hawaii.
雖然好熱，已經年底。擺明搏奧斯卡的大片紛紛上畫，最受矚目首推《華麗后台》（ Nine），導演係拍過《芝加哥》（ Chicago）嘅 Rob Marshall，再拍歌舞片，請來七大女星載歌載舞。
又係女人鈎心鬥角好似《宮心計》？人哋個陳豪、鄭嘉穎係兩屆奧斯卡影帝 Daniel Day-Lewis喎，立即唔同講法。咁嘅陣容，唔使搵阿哥講童年往事，唔使喊苦喊忽對唔住老豆老母，唔使什麼敗者復活戰，毋須內定，肯定直入決賽。
原本，男主角選定 Javier Bardem，即係彭尼露古絲男友，但係佢話太攰，所以辭演。我有個咁嘅女友，應該都好攰。
《情陷紅磨坊》收得，流行歌舞片，於是 Rob Marshall有機會做導演，拍《芝加哥》。一拍就中，最佳導演輸俾《鋼琴戰曲》嘅波蘭斯基，抵，但係爆冷贏出最佳電影。立即俾史匹堡睇中，請佢拍《藝伎回憶錄》。
拍開女人繼續拍。《芝加哥》講嘉芙蓮薛達鍾斯大戰雲妮絲穎嘉；《藝伎回憶錄》有鞏俐硬拼章子怡。加埋都未夠今次誇張，一齣戲，請來彭妮露古絲（ Penelope Cruz）、妮歌潔曼（ Nicole Kidman）、瑪莉安歌迪拿（ Marion Cotillard）、姬蒂赫遜（ Kate Hudson），加埋 The Black Eyed Peas主音 Fergie，嘩，夠晒誇張啦，佢再搵埋蘇菲亞羅蘭（ Sophia Loren）同茱迪丹芝（ Judi Dench）兩位老牌女星壓陣。所以，你會好明白點解要搵 Deniel Day-Lewis開金口。
級數低啲，唔煩死，都俾班女人恰死。
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導演本來選用舊將雲妮絲穎嘉，咁老實講，我情願睇彭妮露古絲 show長腿了。
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Daniel Day-Lewis近年幾乎拍乜都有獎，前年憑《黑金風雲》做影帝，今次學意大利口音扮費里尼，咁都得，我寫個服字。
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電影公司對《華麗后台》極有信心，所以將美國映期由十一月押後到十二月。台前幕後都係奧斯卡常客，下年奧斯卡可能無乜驚喜了。
話明攻打奧斯卡，改編百老匯音樂劇，都要改編套文藝嘢。
故事靈感來自費里尼（ Federico Fellini）經典《八部半》（ 8 1/2），講知名導演身邊太多女人，掛住處理人事問題，煩到拍唔成戲。瑪莉安歌迪拿做佢老婆，妮歌潔曼做佢演員，姬蒂赫遜做時裝記者，茱迪丹芝做服裝設計， Fergie做妓女，蘇菲亞羅蘭做佢阿媽，即係話，戲份最多發揮最大嘅情婦，交咗俾彭妮露古絲。如果我係佢，可能心諗：「好彩，啱啱憑《情迷巴塞隆拿》贏到個最佳女配角咋，唔係無個獎揸手，對住呢班大姐，邊有面呀？」唔怕唔怕，贏極贏唔到嗰個唔係你，係後面嗰位！
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妮歌潔曼又唔係首選，執嘉芙蓮薛達鍾斯二攤 o架咋，一生完女就接，勤力定唔執輸定好勝？
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蘇菲亞羅蘭出過唱片，但好少拍歌舞片，一生人第二齣，真俾面。
計恨做影帝，我估湯告魯斯（ Tom Cruise）、畢彼特（ Brad Pitt）同里安納度狄卡比奧（ Leonardo DeCaprio）一樣咁恨。
計牌面，以里安納度最高。話晒係馬田史高西斯（ Martin Scorsese）愛將，隔兩三年總有提名機會。本來，人人睇好佢明年憑大導新作《 Shutter Island》問鼎影帝，好衰唔衰，電影押後到明年年頭上畫，即係要等 2011嗰屆。機會立即大打折扣。
《 Shutter Island》係史高西斯少見驚慄片，講里安納度去荒島調查殺子兇手失蹤案。攞唔到獎，攞錢囉，明年暑假大片《 Inception》，又係里安納度，拍住《黑夜之神》大導演 Christopher Nolan，用二億美金超勁特技拍導演最愛嘅心理戰，一早已經列入我最期待電影行列。 2010攞唔到，等 2011囉，再唔係馬田史高西斯又搵佢拍下一力作《 The
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《 Inception》以入侵夢境作題材，女主角又係瑪莉安歌迪拿，做咗影后，就係唔同好多。
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都唔一定要攞獎嘅，似導演 Christopher Nolan，拍完《黑夜之神》，神晒，上次攝 Batman位拍嘅《死亡魔法》，只有四千萬美元成本，今次一拎夠五倍，話咁易。
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以 1954年作背景嘅《 Shutter Island》，里安納度造型極似《浮生路》個 look。睇住老拍檔琦溫絲莉乜都贏晒，佢應該非常心急。
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現年 48歲的盧廣憑《中國的污染》相集奪得國際攝影大獎，並在上周三（ 14日）赴美國紐約接受這項殊榮。他稱「（內地）一些地方政府有着錯誤的思想理論，像『發展經濟總有污染的，不要大驚小怪』，『先發展後治理』這種謬論！」導致中國的污染問題嚴重。
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盧廣（左）赴紐約接受獎項。
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內地污染問題嚴重，與政府抱先發展、後治污的短視理念有關。互聯網
－ 39,000億損失－
Antony除了寫歌的天分，最讓人難以忘懷的當然是他那把淳厚的嗓子。有人稱讚他的歌聲是繼Tindersticks的主唱Stuart Staples之後最有磁性、最動人的男中音，對這點我毫無反駁的餘地。首張同名專輯發行於由Current 93主腦David Tibet主導的英國廠牌Durtro旗下，I Am a Bird Now是Antony & the Johnsons的第二張專輯，由獨立名廠Secretly Canadian發行。從各種角度來看它都是2005年上半年最沈溺卻也最美麗的專輯之一。
這張專輯擁有驚人的客席陣容，Boy George、Rufus Wainwright、Devendra Banhart分別在專輯裡的不同曲子獻唱，傳奇人物Lou Reed也於Fistful of Love這首歌裡貢獻了他的電吉他與開場的吟詩片段。Boy George與Antony兩人合唱的曲子You Are My Sister也許是專輯裡最好的歌之一。
You are my sister, we were born
So innocent, so full of need
There were times we were friends but times I was so cruel
Each night I'd ask for you to watch me as I sleep
I was so afraid of the night
You seemed to move through the places that I feared
You lived inside my world so softly
Protected only by the kindness of your nature
You are my sister
And I love you
May all of your dreams come true
We felt so differently then
So similar over the years
The way we laugh the way we experience pain
So many memories
But theres nothing left to gain from remembering
Faces and worlds that no one else will ever know
You are my sister
And I love you
May all of your dreams come true
I want this for you
They're gonna come true (gonna come true)
The film revolves around events of political turmoil within Russia during the dissolution of the Communist Government. Artem (Leonid Gromov), a Professor of "Scientific Atheism" at the Leningrad university is visiting his brother, a highly placed army official, in a small neighboring town. His brother's teenage daughter shows up with an unknown friend called Valery, who turns out to be a heavy partier. Valery later sets off with a female student named Angelika (Agniya Kuznetsova) who is the daughter of a high-ranking Communist official. In search for more alcohol, Valery brings her to a farm of moonshiners. The man who seems to be the owner, a convicted murderer, argued with the Professor in a previous altercation about retribution from sins and his belief in God. Behind the scenes a stranger, a housewife named Antonina (Natalya Akimova), and a Vietnamese farmer work communally at the farm. In a previous scene, the Professor's car breaks down, where he visits the isolated farmhouse of which he gets help by the Vietnamese farmer. The professor denounces god, hampering the faith of the drunk murderer, of which afterwards Valery stops by with his temporary date. The political atmosphere of the film depicts a transference from normality to paranoia as the plot thickens.
The plot thickens as Valery passes out and the girl tries to escape. The girl senses bad vibes from the residents and in turn hides in a barn with advice from the housewife. The stranger, revealed to be a police officer, kills the Vietnamese farmer and goes after the girl bringing her to his flat in a heavily industrialized autonomous region of Russia. The kidnapped girl's boyfriend, who is a soldier in Afghanistan, turns out to have been killed on duty. This is where all of the girl's hope of being saved turns to the worst point in the film. The police officer and maniac has the body of her dead boyfriend shipped to his apartment where he displaces it next to the screaming girl. The murderer is blamed for the killing at which this time he gets killed by more army officials and the old men inspecting incoming shipment get arrested. At the very end of the movie, Antonina, the housewife, decides to make things right with her own rifle... The last scene dissolves with the friendly partier finding another way to get drunk.
During the early 80's Soviet Russia was feeling the pinch of Communism and its economy was on the grip of corruption due to the Afghanistan War. The title Cargo 200, was inspired by the Cargo shipments named after the dead soldiers in Afghanistan. The story is a dramatic thriller and a supposed conspiratorial depiction of the atmospheric tensions within the Soviet Union at the time.
慾望的版圖：D-9與D-9以外
電影藉一場外星人意外降落地球（南非），試圖打開人類的慾望版圖。在電影的開場這群外星人身體孱弱，被人類視為不懂思想的生物。人類基於道德，把它們安置在貧民區裡。然而經過二十年的光景，罪案頻生，黑幫（尼日利亞人）藉機賺錢，治安轉壞。外星人影響附近居民的生活，最後政府把問題交由國聯（致力收集及研究異形武器的跨國公司）處理。國聯最後不得決定發出遷徙令，而主角雲達務正是履行這項任務的負責人——或傀儡公仔。
電影的政治寓言相當明顯，特別是對於南非的種族政策及對於萊索托（Lesotho）的箝制，表現出強烈的反對姿態。權力與邊界問題，乃至由非我族類的排斥行動中所揭示的人性黑暗面，在電影中也有充分的反映。當電影中的主角雲達務變成半人半外星人的時候，頓時變成各國科學家所渴望得到的商品（因為他可以發動人類所不能發動的外星武器）。國聯的位置，所呈現的一種新鬥爭：就是人們以經濟、傳媒等形式施行暴力。他們不惜以軍事行動作為手段，達至目的。
在電影裡我們可見一幅人類世界的慾望地圖：軍事家渴望得到武器、公司希望得到金錢、還有尼日利亞的黑幫渴望從外星人身上得到超能力。各人為求目的，漠視人命，導演以大量血淋淋的分屍鏡頭，展現這種暴力的誕生，展現人性美德的瓦解。
雲達務：一個文官之死
或許更值得我們注意的是電影的細節部分，如為甚麼主角是一個相當官僚的文官？我們不禁想起契訶夫的小說：平庸的人物裡總找尋到人性中最荒謬和可憐的部分。雲達務因為執行任務時意外接觸外星液體，化成半人半外星人的怪物，他活在夾縫中，得不到外星人的幫助，傳媒散佈流言，國聯要活捉他，然後把他賣給他人。雲達務尷尬的位置揭示了作為卑微的人要解決的問題：當生命不可逆轉的時候，我們只顧自救、捨棄舊愛、還是繼續勇敢生存？
在電影裡，雲達霧從自私自利，後來為救自己而幫助外星人基斯，到最後捨己救人，化身外星戰士，最後化成傳說，一個文官是死了，然而一個人，好像重生。一群群血腥鏡頭以外，導演似乎還沒有絕望。
紀錄片的聲音：意義在哪裡？
電影的敘述方式，是以紀錄片的形式「再現」這段外星怪聞。各門各業的專業人士，或客觀分析，或事後孔明，不難看出導演對傳媒報道的極大諷刺。各專家即使振振有詞，但畢竟像人們茶餘飯後的雜音，對於雲達務的心靈世界，記憶與悲喜一無所知——專業的愚昧。然而更值得我們注意的是，即使是雲達務的父母親，對於自己的兒子的內心世界，同樣無法知曉，這則不禁叫人反思，現代社會把本是立體的個人情感，壓成平面，社會的異化與疏離叫人唏噓。或許只有雲達務親手造給妻子的禮物、太空船升空的逃離隱喻，成為電影裡惟一的曙光，也是導演的最後期盼。
導演
黑澤清
演員
香川照之, 小泉今日子, 小柳友, 井之脇海, 役所廣司
簡介
現代, 日本東京~ 四十多歲的 佐佐木龍平 (Ryuhei Sasaki) 本來是一家企業的總務課長, 最近卻因為公司外判職務而失業~ 沒有一技之長的他一直找不到稱心的工作, 但因為怕丟臉, 於是瞞著家人每日扮作如常上班, 到公園和圖書館消磨時間~ 讀大學的長子 貴 (Taka) 常常在外打散工, 甚少回家, 他最近得知美軍接受外國人申請入伍, 於是決定參軍~ 讀小學六年級的次子 健二 (Kenji) 希望學彈鋼琴, 卻被爸爸一口拒絕, 於是暗中拿飯錢來偷偷學琴~ 妻子 惠 (Megumi) 是位全職家庭主婦, 努力持家之餘也是丈夫和孩子們之間溝通的橋樑~ 一天, 一位強盜潛入佐佐木家打劫, 並挾持 惠 作人質, 龍平 和 健二 又各自在外遭逢意外, 沒想到這些不幸事件, 竟會為這親情淡薄的家庭帶來轉機~
評語
日本導演黑澤清的新作暫且放下恐怖片, 改編澳洲作家 Max Mannix 的故事, 繼續舊作如 "License to Live" (人間合格) [1998], "Bright Future" (鏡花水母) [2003] 對家庭成員關係的探討, 描寫佐佐木一家崩壞和再生的可能~
它所研究的對像是一平凡至極的家庭: 佐佐木龍平 (香川照之 飾) 是負責賺錢養家, 專制霸道的嚴父; 惠 (小泉今日子 飾) 則是打點家中一切, 維繫家人關係的慈母; 在 健次 (井之脇海 飾) 音樂天賦被發掘之前, 他和哥哥 貴 (小柳友 飾) 都是那種不太顯眼, 沒甚麼理想的孩子~ 就連家庭關係崩壞的誘因亦是非常平凡: 一把年紀的 龍平 中年失業, 再無法找到職位相若的工作, 更陷入有如 Laurent Cantet 的 "Time Out" (謊人手記) [2001] 那種欺騙家人, 在人前裝作上班的虛假生活中~
龍平 失業不只失去收入, 他更失去了作為父親的威嚴~ 龍平 這種 "由掙錢者當家作主" 的傳統價值觀, 因為突失業而被擊破~ 他被長子質問他對家庭有何貢獻時感到語塞; 被次子指他專制時以暴力相向, 被妻子揭發自己當清潔工時更慚愧得要轉身逃走~
電影對這種傳統威嚴的挑戰和諷刺, 並不只見於 龍平 一人, 這同時亦對照在 健二 的老師和 龍平 偶然遇上的舊同學 黑須 身上~ 前者因為被 健二 在課堂上揭破在火車上看色情漫畫而被學生恥笑, 威嚴盡失; 後者則另一位裁員下的受害者, 但他甚至能面不改容地設計出種種小動作來自欺欺人, 最後只落得自殺的黯淡下場~
無論是 園子溫 的恐怖片 "Noriko's Dinner" (紀子之食桌) [2005] 或是走商業路線的 "Happy Dinning Table" (幸福的食桌) [2007], 餐桌都被強調是家人團聚的地方, 那麼 "Tokyo Sonata" 以餐桌為中心, 反映家庭崩壞的過程也是順理成章~ 全片出現很多家人圍在餐桌進餐的場面, 但每次都從微細處反映出家人關係疏離: 長子 貴 鮮有在餐桌出現, 桌旁各人各有心事心不在焉, 爸爸自顧自地喝啤酒不肯起筷, 諸如此類~
電影亦常運用視覺上的手法來反映家人之間的距離, 在室內的鏡頭常把人物放在不同景深~ 在幾幕吵架的場面中, 以前景和背景展示家庭成員表情和行為上的互動, 而前景和背景又常以不同的光度加強隔閡感~
忠於黑澤清一貫讓人出其不意的折衷風格, 這個沉重認真的故事裡面加進了許多滑稽惹笑的細節, 例如 龍平 與友人各種欺瞞家人的方法, 綁匪 (役所廣司 飾) 傻氣的舉止等~ 特別是電影後半段描寫家族成員各自遭遇困境後再生的經過, 有如 "Doppelganger" (人有相似) [2003] 般出現了許多誇張, 戲劇性的轉折, 更加入了倒敘, 夢境等有趣的敘事方式~
在患難中見親情, 經過一連串匪夷所思的遭遇, 身心俱疲的 龍平, 惠, 健二 不約而同地先後回到家中 (儘管那個家已被強盜翻得凌亂不堪), 靜靜地圍在同一張餐桌旁共進午飯, 電視上也播放出參與美軍的日本人有望回國的消息~ 這一幕沒甚有多餘的對白, 卻充份表現出家人之間互相支持和安慰的默契~
電影有趣的結尾, 同樣突顯出這種家人之間不為外人道的感情: 健二 在鋼琴前演奏名曲 "月光", 引來在場大班人圍觀, 演奏過後他只默默接受父母的恭賀, 全場沒有一下掌聲, 隨後目送一家人靜靜地離開~ 這種家庭成員之間共享的快樂, 無須大事張揚, 自然也不需要在場陌生人的認同
一個失業的中年男子，一個孤單的家庭主婦，一個叛逆的青年，一個徬徨的孩子，一個瀕臨解體的家庭，在這個孤獨的城市裡，發出不和諧的音調……。
電影最初的畫面在佐佐木家中，外面下起大雨，母親惠連忙把窗戶拉起，擦起溼漉漉的地板，接著帶到父親龍平在公司被裁員，徬徨地回到家中，以此拉開序幕。
父親龍平因為經濟不景氣和產業外移趨勢，被公司裁員，出了辦公大樓，才發現整個社會被分割成兩個世界，有「位置」的人在大樓上班，失去「位置」的人在公園遊蕩，公園就是另一個世界，聚集了這群被主流社會拋棄的失業者，有些人才剛被拋下，他們每日衣裝筆挺地出門，假裝自己的位置還在，在希望與絕望間擺盪，不放棄的人會去職業介紹所排隊，有些人一輩子就這樣過下去，成為遊蕩於公園、橋下、廢地的遊民。
▲左，龍平（香川照之飾演）於職業介紹所。
▲右，惠（小泉今日子飾演）發現丈夫失業的瞬間。
職業介紹所每日營業到五點，排隊的人沿著樓梯繞了一圈又一圈，每人只有幾分鐘的時間面談。辦事人員說：「你要知道，一旦離開原本的職位，新工作的水平絕對不可能和原來一樣。」
這些工作的條件多半不太好，大樓警衛、便利商店店長，或者是清潔派遣工。起初，這些剛被裁員的中低階主管都拉不下臉不肯接受，認為自己的身價絕對不只如此，但最後，他們往往發現自己只有接受「現實」才得以存活，
《東京奏鳴曲》（Tokyo Sonata）的劇情以佐佐木家的崩解到重生為主軸，片中不時出現「家（屋子）」的鏡頭，餐桌則是家的核心象徵，從龍平到家，一家坐在餐桌前吃飯，才逐漸開展另外三條主線。
男性因是家中經濟支柱，因此地位最高，但此時的龍平卻已失業，因自卑而更強撐起父親的威嚴，惠是全職的家庭主婦，但活得十分無助，夫妻關係疏離，長子貴正值叛逆期，對家對社會都極度不滿，希望能加入美軍保衛家園，惠與次子雖親，卻無法反抗丈夫的權威讓健二去學琴，健二就讀小六，正面臨升學階段的徬徨，想學鋼琴卻不敢反抗父親的意志，只好偷偷拿午餐錢來繳學鋼琴的學費，沒多久，惠發現丈夫失業，卻默默地守住秘密，只為了維護一家之主的尊嚴。
飯桌前，每個人各懷心事卻都不點破。
接著事情的發展超出控制，先是龍平在清掃時撿到一大筆錢，貴要被派上戰場，健二逃家，惠的苦悶擴張到極致，這個家正岌岌可危，從內部開始崩壞。此時，一個歹徒從外部侵入這個家，挾持了惠，惠在途中進入龍平打掃的賣場，正巧遇上因撿到鉅款而忐忑不安的龍平，發現龍平身穿清潔工的服飾，惠卻沒有逃走，反而回到歹徒的身邊，主線由龍平轉到惠的身上，
▲很帥的歹徒（役所廣司飾演），歹徒跟惠好搭喔。
「如果到現在為止的人生是一場夢，
一覺醒來，發現自己是完全不同的人，那該有多好？」
「要怎樣才能重新來過？」
導演黑澤清將「母親」視為家的核心，足以代表整個家，「她的毀滅就是家的毀滅，她的重生就是家的重生。」惠原本試圖跟侵入者一起逃離「家」，逃到無處可逃就是死，但人生無法重來，一人的死換回另一人的重生，惠的重生就是家的重生，因此龍平也復活了（好大一個誤，當時恐怕全場都以為他掛了），貴沒到戰場，健二也重返光明。回到家的惠再度擔起母親的角色開始煮飯，每個人都回到飯桌前，佐佐木家自此重獲新生。
其中最有趣的是，日本社會看似男尊女卑，但父親的威嚴是透過母親的順服建立的，可以說，這個一家之主不能失去妻的支持，黑澤清將「母親」視為家的直接象徵，是「家」的核心，因為母親是唯一自封於家中的角色，她的內在孤寂與其他人在外界的遭遇互相衝突，沒有父親的家還可以為家，失去母親卻會導致家的解體。
園子溫與黑澤清似乎都相當看重母親的角色，或許這是日本社會的普遍共識。在《紀子．出租中》裡，母親病逝後，父親徹三的目的雖然是找回女兒，找回「家」，但當徹三申請租借家人的時候，卻連把兩個女兒拐走的久美子也一併租回來，最後甚至（看似）真的讓她來填補母親的空缺。由此可見母親一角的重要性。
《東京奏鳴曲》的結構與樂曲的奏鳴曲式相符，這個家庭的內在不安和四個角色最初的設定構成奏鳴曲呈示部（exposition）的主部和副部。接著進入發展部（development），主部副部同時或交互出現，增強劇情張力，主軸在此階段變形，加入新的樂思。最後進入再現部（recapitulation），以家人彼此諒解，龍平和惠一起帶健二參加音樂學校考試，演奏月光曲後收尾。
▲據說是音樂神童的健二演奏月光曲，彈到全場震驚無法回神。
我真的很喜歡這種意義多層、滿地象徵的電影，從奏鳴曲到家，從家到人，在從人連到家，家到日本社會，到國際政經局勢，家是全片的核心，是日本社會的縮影。
看得到宏觀局勢，如經濟不景氣、企業外包出走、影射日美關係的徵兵事件、日本人加入美軍攻打伊拉克的諷刺；中層的，是整個日本社會的普遍現象，滿街走的失業潮，在公園、在廢地、在圖書館，他們甚至還養成了一套文化，連跟龍平一起坐清潔打掃的專業阿伯，竟然也是一個偽裝成正常上班族的派遣工；微觀來看，一個典型的當代日本家庭遭遇了什麼？父親中年失業、母親不知如何生活、青少年有認同危機、小孩有升學壓力，然後又該怎麼辦呢？
黑澤清賦予本片一個辯證的發展路徑，真的是一部很精彩的電影啊。而且裡面除了有小泉今日子之外，飾演貴的小柳友和健二鋼琴老師的井川遙都十分賞心悅目。（見下圖）
a controversial 1994 satirical crime film directed by Oliver Stone about a husband and wife pair of mass murderers and the media coverage given to them. It stars Woody Harrelson and Juliette Lewis, and features appearances by Rodney Dangerfield, Robert Downey, Jr., Tom Sizemore, and Tommy Lee Jones. It is based on a screenplay by Quentin Tarantino that was heavily revised by Stone with writer Dave Veloz and associate producer Richard Rutowski. Notorious for its violent content, the film was named the 8th most controversial movie of all time by Entertainment Weekly.
The film was promoted with the tagline "A bold new film that takes a look at a country seduced by fame, obsessed by crime and consumed by the media."
;)
「已死的靈魂，會因在生者對他們的思念而『再生』……」
在《神探》中，陳桂彬跟何家安說：「查案用右腦，唔好用左腦」；那麼看韋家輝的電影呢，依記者愚見，就必先有左右腦兼用的心理準備。
入行將近30年，人稱韋Sir的韋家輝，無論創作電視劇集（《義不容情》、《大時代》）和電影劇本（《一個字頭的誕生》、《孤男寡女》）都曾給觀眾留下深刻的印象；2007年，他跟老拍檔杜琪峰再次合作，合力炮製《神探》，錯綜的人物關係、嚴謹的犯案佈局，卻又事先張揚偏離推理邏輯的兇案真相，觀眾一步步隨神探愈走愈深，恍若見鬼也是「心中有鬼」，遊走於常理與偏鋒間的心理追兇，《神探》無疑稱得上是近年華語片中的第一佳構。
事隔兩年，新作《再生號》終於面世，韋家輝繼續樂此不疲大玩警句，「已死的靈魂，會因在生者對他們的思念而『再生』」，是宣傳是提醒，觀眾入場都應先整頓思緒，不然很容易便如記者訪問時般，腦筋稍一放鬆，就被理性與感性邏輯並行的韋家輝甩掉。
談思念 論生死 步入理智之年
見到韋家輝自然會想起《大時代》，「前97」的梟雄對決宿命論，家變、命運、復仇都去得很盡，劇情之峰迴路轉令人目不暇給；說起《大時代》也不忘劉青雲，由方展博到陳桂彬，如今再來一個湯有亮，他與韋家輝，算是老拍檔了，不知是否因此韋家輝才一次又一次要劉跟自己一同挑戰劇本極限，去完成一個可能比《神探》更複雜的故事。
「在拍完《神探》之後，本來想拍一個簡單的故事，想講一個家庭中，當只剩下一個生存者，去思念已死親人的故事。但正式開拍後，整個架構開始變得複雜，電影也增添了許多個層次，我慢慢開始想，這個故事應不只思念，還關乎生死、喪親之痛等，也開始理解自己想通過這齣戲去說些什麼，這正是一個療傷的故事，講人如何透過寫作去面對自己的夢魘傷痛，從中走出來。」
先不說電影中複雜而環環相扣的敘事層次，單是聽到思念、生死、寫作療傷數個關鍵詞，已可以想像《再生號》意念上的宏大，不過生死既是人生的常態，也是電影藝術中不老不滅的話題，有時你以為會是很深很廣的東西，出來難免卻成為了「眼闊肚窄」的產物，這可是不難見到的現象。
「其實我很早已思考這個問題」，記者並非「神婆」，卻很有興趣聽韋家輝說他如何到了談生論死的年紀。「我想人到了50、60歲時都會問自己關於死亡的問題，我亦如是，所以希望用電影去思考。其實生與死是電影中必然的部分，因為失去愛人、親人往往都是電影中的重要課題，我以前拍《義不容情》、《我左眼見到鬼》，甚至《神探》，一樣有觸及，不過純粹由生死出發是第一次。」
「在拍《再生號》之前，我一直以為自己可以handle到生死這個大題目，但開拍後我才發覺原來沒有一個說法可以講得通，亦無辦法將關於生死的問題加上句號說清楚。所以到最後我才發覺，原來我最終都不是講生死，而只可以在人類的層次去講一個思念的故事。或者可以這樣說，正因為生死無『所以然』，亦必然說不穿，人生才有意義。」
這理應是一個哲學問題，韋家輝不住地說，他的思路始終沒有打斷；然後說到故事中的三個層次時，他卻彷彿一下子轉入了一個需要由想像化成理解的童話世界。
寫作──敘述生死的副題
電影由10年前的一次車禍說起，由劉青雲飾演的湯有亮在意外中喪生，剩下了充滿傷痛的妻子、女兒及兒子。10年過後，女兒希望憑藉創作小說，讓爸爸在故事中重生，也讓家人在共同創作的過程中得到療傷的機會；同一時間，在小說中再生的爸爸，卻正在書寫另一個故事，藉創作與死去的妻子、兒女在虛構世界中重聚。
故事中有故事、現實與虛構互相滲透，猶如《蘇菲的世界》中對真實世界的哲學叩問，韋家輝直言，寫作於戲中的重要性，正在於思考生命中的主宰問題。
「就如剛剛所說，這齣戲最初只是一個關於思念的故事（戲名初亦為《思念》），劇本最早的意念是車禍中死剩爸爸，由他創作一個故事思念妻兒。但愈拍愈覺得不滿足，想在電影中講更多，所以多了女兒身處的世界與她寫作的世界兩個層次，這樣便更豐富，也可以將思念帶到哲學層面。」
「在寫劇本的過程中，我曾經做過一個舉動，就是將故事中的footage完全調轉，爸爸無死，然後他寫了一個故事，思念已死的妻兒，同時間故事中的女兒又開始寫作……引申而來的問題是，究竟最終誰死了？哪個創作者的世界才是真的？套句經典講就是莊周夢蝶，還是蝶夢莊周？」
「所以說，寫作是戲中一個重要的副題。我信有主宰，相信人生是『written by』的，正如戲中的一個重要的轉折：後來女孩的母親與弟弟都死了，她不能自處，因此將自己都寫進小說之中，當她成為角色之時，一切命運都彷彿不可知了；但若果她抽身出來，作為一個作者時，就引劇中的一句對白說，寫作世界根本無命運無偶然，所有的意外都不再是意外。而對於我來說，我們是被寫的，我們是有命運存在的。」
無論文字還是電影，敘事本來就可以是一種宣洩恐怖、逃避傷害的策略。韋家輝笑言，縱然故事「written by him」，但現實生活中的他不需以此療傷；他始終關心的，是於人生存以外的另一個空間，例如心魔的存在（《神探》），又或是寫作的空間。
「近幾年的確好鍾意拍人腦海活動而不真實存在的東西，這聽來很困難，但我覺得這個空間，如人腦海在想些什麼，大可以拍，《再生號》、《神探》都是如此。」
查案要用右腦，跟韋家輝談戲更要用右腦。《再生號》的架構理念絕不比《神探》簡單，韋家輝也直認曾經擔心觀眾未必能吸收。不過，在《神探》的成功之後，他反而理解到觀眾需要的可能正是這一種凌厲的偏鋒──還是應反過來說，其實我們正需要這樣的一個韋家輝。
看了不少很平庸的港片,我喜見港片至今終於能夠有一點新意。這次韋家輝沒有伙拍杜琪峰,亦拋開了槍與男人的主題,反而以一個書寫的世界,去表現「執著害人」的主題。
很多觀眾對《再生號》的主要意見,都是它很「深」，故事線複雜,有點難以理解。可能我看電影比較多,對處理分析故事線較有經驗,因此我並不覺得「過於」複雜 – 但它仍然複雜,因「複雜」就是他的叙事形式。
《再生號》的故事主線,是講述一個人(作者/或導演投射的創作人角度)透過文藝創作去彌補現實生活中的失落,透過不斷改寫現實,由無變有去讓失去的事物在思想中再生;但當創作出現生命時,現實與幻想界線愈益模糊,創作者的意識就會被自己創作出來的東西纏繞 – 這由愛而生的怨念,就是「執著」。「執著」可以摧毀人的生活,令生的變成死,死的又永遠停留,無法往生/再生。
韋家輝的創作,由《大隻佬》開始,已經染有濃縮的佛家思想;他亦不諱言自己喜歡思索形而上的生存問題。《大隻佬》談的是因果,而去年的《神探》談的是人的「意識」,在韋生的眼上,人類本性軟弱又毫不了解自己,而且完全被自己意識牽引,即使如陳桂彬般的天才能看到人心中的「鬼」,他自己也毫不能例外心中無鬼。而《再生號》所談的是「執著」。
Melody(閻清飾)不能忘記父親,於是透過寫作讓父親在小說中再生;小說中父親也來寫小說,懷念死去的女兒和家人(兩個世界中處境對調)。韋家輝經常說,好的劇本有它的生命,會自行成長。聽來很神化,其實是指當你的人物角色性格形成後,只要創作人沒有忘記,你自己能夠按照角色的性格發展出合理的情節來。但情節歸情節,現實歸現實,當不同空間的生命形式交錯時,就會在思想上出現角力,簡單點講即是精神分裂,左腦跟右腦打架。
《再生號》絕對是一部很神奇的作品,不止因為它具有嚴重「韋家輝作品」的風格(第一場戲Melody危站於天台邊問天,已經很「韋家輝」),甚至連製作上都令人感到嗤嗤為奇。韋家輝在不少專訪中提及,自己在拍攝時,根本未決定好那個是現實那個是幻想(!)。有時為演員說戲,他自己也談不上這場是那一個空間的戲。因此《再生號》的剪接過程十分漫長,共剪了接近十個版本,才得出現在這個公映版本。這種走鋼線的創作方式,真是只有韋生才夠膽用,尤其是當成品看來相當不賴時,更令人覺得難以致信。
《再生號》其中一個最大的看點,是韋生與劉青雲的再次合作。在《再生號》中,可以看到二人偉大的完美合作 – 無論是食飯時思念的流淚、不懂回家的困窘、得知菲傭遇害時絕望的吶喊,甚至是目睹愛女自殺欲救無援的無助,劉青雲不慍不火、沉澱有致的演出,都成功地再一次感動觀眾。即使青雲無法再一次因《再生號》成為影帝,他的精湛演出亦會長留影迷心中。
很難想將一部在拍攝時大家經常「唔知做乜」的電影,出來竟有如此統一的節奏和中心思想(它甚至有電腦特技!)。《再生號》可能是韋家輝多部個人或聯合執導的電影中,最出色的一部。
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■一睇個 Look就知道係山頂纜車啦！
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■孟婆出現都用 CG，咁似玩 RPG遊戲嘅！
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■成個簷篷塌落地面，配埋靚音效，感覺應似身歷其境。
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■三口子因開始寫小說，令喪父傷痛慢慢消失。
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講咁耐，究竟《再生號》係一套鬼片、文藝愛情抑或懸疑式電影？暫且賣個關子，但最搞鬼嘅係，睇完 Bonus先知，其實連劉青雲等一眾主角亦唔知自己拍緊邊類型電影。講番特別收錄部份，除製作特輯，其餘係好例牌嘅預告片以及電影檔案室，後者更提供中英文版本，用文字交代故事背景及劇組人員名單。老實講，呢部份絕對可有可無，翻轉 DVD盒已經睇到啦！如果想睇 CG製作過程，長達十幾分鐘嘅製作特輯或可滿足你。
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■同一畫面出現不同時空人物，莫名其妙。
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■青雲竟將已死嘅角色說成在生，唔通佢拍得太投入？
韋家輝出道以來執導的電影，較佳的作品每每都跟杜琪峰合作，反觀自己執導的一眾賀歲電影在質量上強差人意。新作《再生號》沒有了杜琪峰，也不再是賀歲喜劇，但失控情況卻大為改善，主題表達上也算達到要求。
| BASEMENT JAXX 十年之後 Text : 袁智聰 Post Date : 2009-09-30 這已是十年前的事了。 |
| VARIOUS ARTISTS TAKING WOODSTOCK OST (Rhino) Text : 袁智聰 Post Date : 2009-09-25 今年是《Woodstock》音樂節的四十週年，由李安執導改編自音樂節主辦人Elliot Tiber回憶錄《Taking Woodstock: A True Story of a Riot, a Concert and a Life》的《Taking Woodstock》並不是一齣以音樂為大前提的電影，所以片中沒有重演音樂節上樂手們技驚四座的演出場面，也看不到盪氣迴腸的熱血現場音樂氣氛，亦不見有維妙維肖的「A貨」Janis Joplin、Joan Baez、Santana、The Who、Jefferson Airplane或Jimi Hendrix在片中出現，沒有特寫音樂節的台前幕後，沒有探討當年的搖滾音樂氣候。然而看看片末的Credit，卻的而且確有很多歌曲出現過，只是大多數歌曲都只有在片中曇花一現、被用作背境音樂而已。 |
湖南學者建生的《中國文明的反思》大陸被禁，在香港成為自由行的搶手貨。
為什麼成為禁書？建生議論中國文明的失敗，由批判秦始皇統一中國開始，譴責朱元璋，然後，連孫中山也不放在眼內，越往後讀，越為這位勇敢的中國知識份子種子擔心──作者最看得起的，是宋朝──到了現代，那位蠱惑風魔了十三億人，直到最近的閱兵大典的「偉大領袖」，在作者的鐵筆下，該如何鞭撻？果然，最後他忍不住了，還是把這個名字掀了出來。
作者的另一條罪，應該是推崇英美。他認為，英王約翰在十三世紀初與貴族制訂大憲章，是人類政治文明的典範，然後是美國國父華盛頓，是胸襟宏大的君子，而孫中山只是第三流的政客。
香港中學的歷史教科書，狹隘、歪曲而沉悶地敍事，例如提到宋朝，必定「積弱」；孫中山推翻滿清，一定「偉大」，但傑出的歷史學家，敍之外，必有議，而論必有決。建生推崇華盛頓，有這樣的鼎決：偉大的人格，造就了良好的制度，而良好的制度，也確保良好領袖的產生。如果諾貝爾有歷史學獎，有此論斷，建生先生應該得獎。
今天的華文「時事評論」，以騎牆為「客觀」，以平庸為「穩健」，以各打五十大板為「超然」，但建生的論著，心靈渺小的憤青讀者，千萬不要看，因為何者是正，什麼是邪，湖南人的陽剛風範，決不隱藏，這部書，真不像今日中國人的文字，因為心魂酣熱，血氣猶存。
英國當代最紅的歷史學家羅弼時論史，說邱吉爾：「這個人最重要、最危險，同時也最優秀的品格，就是他的缺乏耐性，不論對於自己，還是對於周圍的世界。」連用三個「最」字，顯示作者的自信，就像名醫斷症，決不含糊：就是這個病了，我說的。
羅弼時論斷：「然而為什麼他勝利了？因為凡英雄，都對凡夫俗子沒有耐性。邱吉爾的英雄觀，與國民的英雄氣概，在一九四○年，很崇高地相逢。」
定案如此決絕，真有氣派。建生也有同等氣派。當然，對於平庸的大多數，有創見的一個人就叫做「偏激」了。這部書不適合一般中國讀者，他們不會明白，也不會包容，但遲早會有英譯，因為傑出的歷史學家，如湯恩比，屬於全世界。
陶傑
正所謂一係唔做，要做，就要做到最好。
齋睇製作班底就知。由殿堂級國際美術指導張叔平揸旗， Wing Shya兩脇操刀，被拍得更 most beautiful的主角，有首位獲得 Christian Dior御用的華裔模特兒余嘉文、大美人關之琳、歌手李玟及小提琴家朱蓓等。「希望能將她們優雅攝人的美態另一面，捕捉呈現。」阿叔話人之外還有物。利用光澤質地線條觸感外形，把咱們眼中都習以為常的形態，在鏡頭下以光影能量賦予新生命力！想近距離再睇真啲啲，阿叔十幅《 Most Beautiful 10》作品，由即日起至十一月，於各連卡佛接棒輪流展。
展期：即日至 11號太古廣場； 12至 18號時代廣場； 15至 26號國際金融中心； 27至 11月 5號廣東道
Hyde和 Smith 早於８０年代初已開始合作替樂隊 Freur 製作音樂。後來 Freur 解散，Hyde 與 Smith便於１９８７年組織自己的樂隊﹣Underworld。樂隊組成的初期走 industrial-funk路線，首兩張專輯已獲得很好的口卑。於１９９１年 Hyde 與 Smith 邀請 DJ Emerson 加入Underworld，Emerson 的加入使 Underworld 的音樂更多樣化，他們開始嘗試加入 Trance、Techno、House及 Drum'n'Bass 等元素。
１９９６年 Underworld 遇上金像獎最佳導演 DannyBoyle，他在他的電影 Trainspotting 中使用了 Underworld 的一首單曲 Born Slippy﹣一首沒有被重點宣傳，甚至沒有收錄在大碟內的單曲。但自從電影 Trainspotting 上映後， Born Slippy成為了９０年代經典的舞曲，是 Underworld 的代表作，也是樂隊最暢銷的單曲之一。
Underworld 多年來不繼作出新嘗試，他們打破一貫的唱片銷售模式，在網上推出新曲，使他們可更快發佈最新的作品。Underworld 不繼創新的精神，令他們能屹立於樂壇２９年，仍然廣受樂迷歡迎。
2. Underworld '80年代就成立了
Karl Hyde 與 Rick Smit成立於1987年的Underworld 還是個以吉他為主，聽起來很像Howard Jones、Thompson Twins的這類的典型電子新浪潮團，未經歷過80年代的樂迷大概沒幾個聽過Howard Jones、Thompson Twins，這個比喻跟沒講一樣
3. Tamato設計公司
80年代末Underworld的音樂事業暫時停頓，Karl Hyde 與 Rick Smith成立了 Tamato設計公司，曾製作過 Reebok、Adidas、Levi's、Pepsi 等公司的廣告。當然也包括他們後來的唱片封面。
4. DJ Darren Emerson改變了Underworld
90 年代初，House 與瑞舞襲捲英倫，當時小有名氣，還不到二十歲的DJ Darren Emerson 加入 Underworld ，參與音樂製作工作，這個樂團脫胎換骨，操玩多種電音類型，你叫得出的名詞：techno、dub、ambient、trance、 eletcronica、big beat、...都可以用來形容他們的某幾個曲子。
Darren Emerson在2000年Underworld的現場錄音專輯〈Everything Everything〉之後離開
5. 其實你沒有聽過〈Born Slippy〉
你聽過的是〈Born Slippy .Nuxx〉，它最出現在〈Born Slippy〉這張單曲唱片的B面，二者聽起來差佷遠，原曲是沒有人聲的。因為〈Born Slippy .Nuxx〉太出名，現在已沒有人關心〈Born Slippy〉長什麼樣子。
6. 〈Born Slippy .Nuxx〉的由來
英國威爾特郡的巨石陣（ Stonehenge），是聞名中外的史前建築。古人怎樣和為甚麼建造它的謎團仍未解開之際，考古學家今夏在 1.6公里外再發現另一個同樣有 5,000年歷史的石陣遺址，暫稱藍石陣（ Bluehenge）。
設菲爾德大學教授皮爾遜（ Mike Pearson）今夏率領一批專家，秘密發掘藍石陣遺址。有證據顯示，藍石陣原是由 27塊巨石圍成一個直徑 18米的圓圈，每塊石高 1.8米、重 4噸。著名的巨石陣主陣，也是由數十塊巨石組成，但最高的石塊達到 8米，每塊重達 50噸。因此藍石陣與巨石陣恍如姊妹石陣。巨石陣專家達維爾（ Tim Darvill）說：「新發現令巨石陣的故事更豐富，若再發現更多巨陣，也不會令我驚訝。」
砌成藍石陣的石頭，是比花崗石更堅硬的粗粒玄武岩，在 321公里外的普雷塞利山開採後，經水路運到該處。砌成圓圈後，人們就在石頭塗上深藍色和銀色斑點，模仿夜空。
藍石陣的發現，令巨石陣的歷史改寫。考古學家一直以為，巨石陣是歷時 600年分三個階段建造。
巨石陣是全球最大史前遺蹟之一，究竟有何用途，考古學家至今未有定論，以下是最常見的說法：
•巫術
巫師默林派巨人到愛爾蘭將巨石搬來，聲稱可治病
•天文台
巨石陣的開口處指向夏至日出的方向，是新石器時代的天文觀察站，也是計算月食的工具
•治病
巨石來自數百公里外的威爾斯地區藍石，古代人認為藍石有治病奇效，巨石陣內的屍體，有說是屬於前往治病的病人
•史前王族火葬場
巨石陣埋了至少 52名被火化的遺骸，相信是古代王族為祖先亡靈而建的紀念碑，巨石陣附近有個巨木陣，前者是亡靈標記，後者則是給在生人士的，是生死標記
•古文明和外星人遺蹟
有指巨石陣標誌着新石器時代的迷信思想，代表英國的能量線；有人相信巨石陣是外星人的飛碟降落地點
荷李活每月都有愛情喜劇上映，但少數能像《心跳（ 500）天》（（ 500） Days Of Summer）般未上映已廣受影迷討論，全因影片打破既有公式，以天馬行空的手法解讀現代男女的愛情觀，男主角阿湯回憶 500天的戀情，思前想後了解分手真相，讓觀眾跟他一起失戀。導演更將電影、音樂、劇集以至藝術等流行文化融入故事中，為愛情片寫下新定義。
撰文：戶川淳
愛情喜劇總離不開男女主角相識相戀，之後遇上波折吵吵鬧鬧，最後大團圓結局。但新片《心跳（ 500）天》破格之處是第一場戲已交代男主角眼巴巴看着女主角結婚，但新郎不是他。究竟是怎麼一回事？
劇本的誕生源於編劇之一 Scott Neustadter，幾年前他被拍拖數月的女友飛掉，於是想寫一個探討情為何物的故事：究竟有沒有「注定」這回事？失去她的話你還會相信愛嗎？ Scott希望跳出一般愛情片框框，與拍檔 Michael Weber執筆時天馬行空，尋找與眾不同的敍事結構。
《心》片的最大特色是時空大兜亂，拍開 MV的新晉導演馬克韋柏（ Mark Webb）以跳序的手法交代一對情侶談戀愛到冷戰到分手的過程。故事以男主角阿湯作第一身，他巨細無遺地在腦中重播，檢視 500天的戀情，思前想後了解分手真相，讓觀眾跟他一起失戀。 Scott將效果形容為愛情片版的《兇心人》（ Memento）。
故事是這樣：自閉又嚮往完美愛情的阿湯，當建築師不成委屈在賀卡公司打工，遇上了老闆清麗動人的新秘書阿心，兩人竟又如此志趣相投，都深愛英國樂隊 The Smiths、喜歡唱 K及睇戲、欣賞比利時藝術家馬格利特的超現實主義作品，這還不是命中注定麼？然而阿心卻不相信愛情，她不甘被束縛只想拍散拖。
完全相違的愛情觀無可奈何地將二人的關係逐步摧毀，最後阿湯終於令阿心悟出愛情真諦，但她卻閃電嫁了另一個人。
敍事手法創新之餘，編劇也將大量流行文化融入故事之中，阿湯深受英倫音樂薰陶，阿心也是個樂迷，因此二人交往時的對話總離不開音樂及電影。導演甚至讓角色注入流行歌中，又或者將感情轉化成電影或名畫。片中阿湯會幻想自己是《星球大戰》（ Star Wars）的 Han Solo，甚至走入英瑪褒曼（ Ingmar Bergman）的經典片之中，他的幻想及回憶都可以妙想天開地化成影像。這個意念也大大增加了導演的創作空間，得以在銀幕上運用上文字、動畫、插畫、畫面分割等實驗技巧。
影片雖然沒有大卡士撐場，但男女主角均是現時炙手可熱的型男玉女，男主角是曾在《義勇群英：毒蛇風暴》（ G.I.Joe： The Rise Of Cobra）飾演毒蛇司令的祖瑟夫哥頓利域（ Joseph Gordon-Levitt），其純真的笑容及自然的演技，將阿湯戇直的性格演繹得淋漓盡致，是全齣戲的靈魂。
至於其心目中女神阿心，由演過《破天．慌》（ The Happening）及《乜都得先生》（ Yes Man）的素兒狄絲查露（ Zooey Deschanel）扮演。素兒早前曾與祖瑟夫合作過獨立片《 Manic》，也是樂隊 She& Him主音，因此歌喉了得，演起來特別得心應手。
從手法到內容《心》片無疑是包含了一些另類元素，但它絕非故作高深，情節也沒有過份戲劇化，相反阿心及阿湯的戀愛經歷均十分寫實，例如在唱 K聚會上撻着、行宜家傢俬憧憬未來結婚的日子、重遊溫馨舊地而觸景傷情等，相信不少人拍拖時都有試過，看起來肯定有共鳴。
香港上映日期： 10月 8日
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《心跳（ 500）天》原聲大碟夾雜着喜怒哀樂，是片中故事寫照。
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英國電子組合 Underworld凌晨在赤鱲角亞洲國際博覽館開騷，吸引逾千名樂迷捧場，本地歌手黃耀明也有欣賞演出。
由 Karl Hyde與 Rick Smith組成的 Underworld，帶同拍檔 Darren Price協助表演。場館中設有三面控制台及六個螢光幕，非常大陣仗。他們獻唱多首新舊作品，每首歌曲也配以迷幻視覺效果。
穿上銀色外套的 Karl更在控制台後瘋狂勁跳，令樂迷 high極。 Karl獻唱大熱作品《 Two Months Off》時更自彈自唱，十分陶醉。當他們表演 96年的成名作《 Born Slippy.NUXX》，大批色彩繽紛的氣球從天而降，乃全晚的高潮位所在。
1 Small metal gods
It's the farthest place I've ever been
It's a new frontier for me
And you balance things
Like you wouldn't believe
When you should just let things be
Yes, you juggle things
Cause you can't lose sight
Of the wretched story-line
It's the narrative that must go on
Until the end of time
And you're guilty of some self neglect
And the mind unravels for days
I've told you once
Yes, a thousand times
I'm better off this way
I'm better off this way
Where's my queen of hearts
My royal flush
I have cleaned and scrubbed her decks
My suicide, my better days
There's nothing I regret
I've placed the Gods
In a zip-lok bag
I've put them in a drawer
They've refused my prayers
For the umpteenth time
So I'm evening up the score
Small metal Gods
From a casting line
From a factory in Mumbai
Some manual labourer's bread and butter
And a single-minded lie
Small metal Gods
Cheap souvenirs
You've abandoned me for sure
I'm dumping you, my childish things
I'm evening up the score.
2 The Rabbit Skinner
Who'll do for him
Child of the 50's
With no common sense
And no easy resting place
Only lichen on beeches
Oil on gun barrel
And the hard taste of pennies
A gardener's folly
Stands as proud as you please
The lungs won't fill, the heart won't start
Landlocked child of the seas
And he alone is a man without qualities
Combed his body for disorders
But the disease lived on in far off quarters
As a God everything was filled to excess
As a man he settled for less
Here lies the rabbit skinner
God love the rabbit skinner
A life without purchase
No story to tell
And three little bitches fight where he fell.
Foxes, foxes, give her a sign
Enter the little girl and show her what's mine
Play hard and fast with the rules if you please
;)
;)
;)
